這又是一個小恬問的問題，她總是大哉問，所以只好大哉答。我是從2005年中開始去當代館當義工的，第一個展是「仙那度變奏曲」，一直到現在2010年，以下是就自己觀察，就當代館策展和經營方向的演變所做的記錄，分成上下兩期是因為要強調經營團隊的影響，而且...我可能會有拖稿的情形出現。
當代藝術基金會階段：直到2007年底
一開始當代館的經費來源是廣達電的「當代藝術基金會」。在此情況下沒有必需賺錢的壓力，而且因為其名為「當代藝術」基金會，想必對於營運內容有所期許，至少和賺錢比起來，理念或是展出的內容才是比較重要的。
當時整體的藝術環境，還沒有如同今日這麼多的小藝廊、藝術空間散布各地。當時，當代館的展覽顯示出一種獨特的草創感，畢竟要在「大空間」將「一群藝術家」集合展出，是比較簡單的，而當代館「小空間」的「理念策展」形式，則要耗掉許多的腦力和筆力。說當代館是「小空間」，倒不是由於它的坪數很小（當然它也不大）。因為當代館是以古蹟活化的形式成為展覽空間，所以自然受到原本房屋結構的限制，除了二樓有比較大的一間展間之外，其他全是由一條走道串接著、如教室一般大小的空間，和台北市立美術館那樣寬敞、可以隨著展覽內容而自由調配的空間相比，的確是小空間。
由於以上的原因，在當代館的展覽中，經常呈現著「多位藝術家參與」的形式，把策展理念先放在前頭，再邀請適合表達此理念的藝術家參展，每位藝術家各有自己的獨立小間，互不干擾又各自完整。早期這類的展覽還是由館內人員自行策畫，而且為了顯示出「當代」，有刻意以形式或媒材如做為主題的傾向，如建築與藝術、設計與藝術、數位化的藝術等等。後來多了一些專業策展人、論述人的加入，策展方向也較為議題化，如流行、時間、空間、甚至政治，最為人知的應該是2006年底的「赤裸人」，以各國人們在政治上失去保護與依靠的狀態為理念，請來了策展人徐文瑞，還另請了三位專家來進行論述的寫作，加上展覽作品的選擇適當、切合理念，成為不少人至今仍回味無窮的展覽。
另一方面，當時的當代館對於台灣藝術家的推廣是十分明顯的，甚至有少數的展如「當代風景」或是「台灣當代藝術家系列」，展出者全數或絕大多數是台灣藝術家；在展場的配置上，也特別畫出一個稱為「MOCA Studio」的空間，專供台灣年輕一輩藝術家展出。
整體而言，當代藝術基金會時代的當代館，花了很大的精力在處理他們所認為的當代是什麼，同時也著力於台灣藝術家的推廣。不過這樣的經營方向，時常發展出過於嚴肅的展覽主題，並給人一種學院內的世界之感，依賴著固定族群的支持，當時非假日的展場時常有一日不到100位觀眾的情形。館內的人力分布，也大多是能論述能溝通的專業型人力為主，人數不多所以十分辛苦，而且除了展覽本身的推廣活動（如專家導覽），很少進行其他的推廣活動。
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